Живопись русских художниц

Рисовальные классы для девочек при Императорском обществе поощрения художеств открылись в конце 1830-х годов. Чуть позднее женщин стали принимать в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и в Императорскую академию художеств. С этого момента начинается женская профессиональная живопись в России. Познакомимся с историями четырёх русских художниц и узнаем особенности их творчества.

«Любовь её к искусству неимоверна»: Софья Сухово-Кобылина.

Софья Сухово-Кобылина. «Софья Васильевна Сухово-Кобылина, получающая на Акте в Академии художеств большую золотую медаль за “Пейзаж” с натуры», 1854 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

В 1854 году большую золотую медаль Императорской Академии художеств впервые получила женщина — Софья Сухово-Кобылина. Она училась рисованию у художника-пейзажиста Егора Мейера, который быстро распознал в девушке незаурядный художественный талант и ходатайствовал о её приёме в Академию.

Медаль Софье присудили за два написанных с натуры крымских вида и картину «Сосновый бор в окрестностях Мурома». Её триумф открыл для женщин дорогу в академическую живопись. Гордая наградой, художница пишет автобиографическое полотно «Софья Васильевна Сухово-Кобылина, получающая на Акте в Академии художеств первую золотую медаль». Она и дальше будет учиться, и за свой счёт едет за границу. Её дом в Риме становится салоном для всех русских художников. Постепенно от пейзажной живописи художница переходит к портретной.

Софья Сухово-Кобылина. «Автопортрет», 1847 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Посмотрим на одну из самых известных работ художницы — автопортрет 1847 года. Софья удачно сочетает портрет и жанровую сцену: одетая в скромное коричневое платье героиня словно на секунду отвлеклась от незаконченного пейзажа на мольберте, обернувшись к зрителю. В руках у неё кисти, палитра и муштабель — специальная деревянная палочка, которую используют для поддержки руки. Тщательно выписан не только пейзаж в традициях академического романтизма, но и предметы интерьера: картины и эскизы на стенах, ковёр с орнаментальным узором на полу.

Любовь Софьи к искусству, по воспоминаниям её наставника Егора Мейера, была неимоверна. На академической выставке 1868 года были представлено 174 её работы. Почти все итальянские и русские пейзажи, портреты, жанровые сцены и этюды были распроданы.

«Амазонка авангарда» Наталия Гончарова

Наталия Гончарова. «Автопортрет с жёлтыми лилиями», 1927 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Знаменитый импресарио Сергей Дягилев писал: «Наиболее замечательным авангардным художником в России является женщина — Наталия Гончарова». А поэт-футурист Бенедикт Лившиц называл её «амазонкой авангарда».

Наталия Гончарова работала в разных авангардистских стилях и не ограничивалась какой-то одной творческой манерой. Примитивизм, неканонические изображения святых, лубок, изобретённый вместе с мужем Михаилом Ларионовым лучизм, неопримитивизм, футуризм, фовизм, кубизм, экспрессионизм — все эти направления отразились в творчестве одарённой художницы.

Наталия Гончарова. «Павлин под ярким солнцем (стиль египетский)», 1911 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Её концепция «всёчества» подразумевала обращение к самым разным стилям и эпохам в истории искусства, постижение сути «чужого искусства» и поиск в нем вдохновения для творческого обновления живописной культуры 20 века.

Наталия Гончарова. «Божество плодородия», 1910 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Художница активно выставляла свои работы, но часто её выставки сопровождались скандалами. Первая персональная выставка в 1910 году закончилась судом из-за обвинения в распространении «явно соблазнительных картин» — речь шла о «Натурщице с закинутыми за голову руками» и «Натурщице с руками на талии». В то время женщине было непозволительно писать обнажённую натуру. Через год с выставки «Бубнового валета» изъяли картину Гончаровой «Божество плодородия».

«Какой скандал, Вася»: первая пансионерка Елена Поленова

Младшая сестра художника Василия Поленова Елена была одарённым графиком, живописцем и мастером декоративно-прикладного искусства. Она училась живописи у Павла Чистякова, Ивана Крамского и французского художника Шарля Шаплена, а позднее поступила в школу Общества поощрения художников.

Елена Поленова стала первой художницей-пансионеркой, которой предложили поехать в Европу на казённый счёт, чтобы изучать керамическое искусство. Вот как она пишет об этом брату: «Я думаю, это первый пример в истории, по крайней мере в русской, чтобы особа нашего бабьего сословия получала поручение и отправляема была в командировку с целью изучения».

Елена Поленова. «Париж», 1880 год, Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова, Тульская область © Public domain

После возвращения в Петербург художница создаёт при школе Общества свой класс майолики, а несколько лет спустя входит в «абрамцевский кружок» — неформальное объединение творческой интеллигенции, собиравшейся в усадьбе Саввы Мамонтова.

Абрамцево становится для художницы источником неиссякаемого вдохновения, а общение с членами кружка подталкивает Елену к изучению русской старины и пониманию народного духа. С Виктором Васнецовым она создаёт костюмы для домашнего спектакля «Снегурочка», с Исааком Левитаном и Валентином Серовым ходит на пленэры, восхищаясь тропинками запущенного сада и полянами диких цветов.

Елена Поленова. «Белые цветы тысячелистника», 1883 год, Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова, Тульская область © Public domain

Вместе с Елизаветой Мамонтовой Елена организует мастерские для детей крестьян, создаёт музей прикладного искусства и мастерскую резьбы по дереву. Она занимается ремёслами, изучает русский фольклор, собирает и зарисовывает предметы русского народного быта.

«Улыбка во весь рот»: Зинаида Серебрякова

Зинаида Серебрякова происходила из творческой династии Бенуа-Лансере. Творческая атмосфера дома повлияла на Зинаиду — она училась в школе-мастерской художницы Марии Тенишевой, где преподавал сам Илья Репин, в мастерской живописца и гравера Осипа Браза, а после — в  художественной академии Гранд-Шомьер в Париже.

Первые свои пейзажи Зинаида создаёт ещё девочкой в родовом имении Нескучное. Сюда она будет стремиться из Парижа и Петербурга, здесь пройдут лучшие годы её жизни и будут написаны десятки картин.

Зинаида Серебрякова. «Дом в Нескучном», 1910 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Важным этапом развития дарования художницы становится приезд после продолжительного отсутствия в Нескучное. Привольная сельская жизнь с её буйством красок, разнообразием типажей и поэтикой крестьянского труда вдохновили начинающую художницу. Позже Зинаида признавалась, что в имении и природа, и крестьянская жизнь своей живописностью волновали и восхищали её.

Зинаида Серебрякова. «Беление холста», 1917 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Труд Серебрякова превращает в ритуальное действо, окружённое особой, благодатной тишиной. Время на её крестьянских картинах словно останавливается, а день длится вечно, как и жизнь. Торжественная величавость героинь приобретает монументальное, почти эпическое звучание.

Известность Зинаиде приносит зеркальный автопортрет «За туалетом», представленный на седьмой выставке Союза русских художников. Картину приобретает Третьяковская галерея, а Александр Бенуа называет автопортрет «самой радостной вещью».

Зинаида Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет», 1909 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Зритель словно видит отражение в зеркале — этот приём создаёт необходимую отстранённость и в то же время привносит оттенок интимности. Дезабилье, бусы и флаконы духов, шпильки и высокие свечи зазеркалья — художница будто смотрит на себя со стороны. Молодость и свежесть героини созвучны бодрому началу дня.

Источник: https://vtbrussia.ru/culture/muzei/gtg/zhivopis-russkikh-khudozhnits/